UNA CUESTIÓN DE LIBERTAD

Hasta 1939. Una voz pintada, borrada incluso bajo los escombros. Pero la necesidad urgente era estar presente entonces, transmitir un estímulo al transeúnte, involucrarlo en una investigación revolucionaria, en un acto revolucionario, al menos de pensamiento, al contemplar la pintura sin nombre en la pared o el dibujo del día anterior en la acera.

Este es el acta bautismal de José Ortega el artista, a la que se ha mantenido fiel hasta ese cuadro suyo que a primera vista parece belleza por la belleza misma, y ​​que, al desenterrar el ideograma de lo figurativo, es siempre una invitación al hombre a tomar conciencia de la realidad para comprenderla y mejorarla.

José Ortega, un hombre gentil y elegante, incluso cuando viste como un campesino con pantalones que le han durado diez años, un vagabundo que sigue sus exposiciones o las luces que se supone que reemplazan a España para él, tiene una paciencia admirable para reforzar un botón o remendar un bolsillo deshilachado. Usa el hilo con moderación, sin desperdiciar retazos. Sin duda aprendió esto durante sus cinco años en prisión, de una condena política de diez años. Prisiones: Alcalá de Henares, Ocaña, Dueso.

Desde 1947. En un período reciente de su pintura, esta prisión ha regresado, como un signo que sugiere un deseo de liberación del cuadro, en esas muchas franjas verticales que describen campos (trigo = hambre = vida) y horizontales (cama = paz = amor = muerte) en barras de colores que hacen estremecerse de angustia.

ORTEGA Y PICASSO

Ortega y Picasso, o mejor dicho, después de Picasso: un hilo conductor español, del joven al maestro; señalado por la crítica y percibido, en ciertos momentos de su obra, por el público. Pero son dos cosas distintas, y solo se trata del hilo de las consecuencias, de las sucesiones.

Nadie hoy puede ser como Picasso. Es cuestión de generaciones. Picasso es un descubrimiento bachiano del mundo, un estallido dramático y alegre de la última generación antes de la era de la gran duda, la nuestra. La generación de Picasso (y de De Chirico), la de los inventores, aún participaba de la época en la que el poder de la certeza se inventaba con convicción y serenidad.

La guerra misma aún estaba al límite de su aparente utilidad. Picasso participó de la etapa final de la era en la que la gente creía, y su paloma era símbolo de dogma. Sin embargo, los medios internos del artista post-Picasso (entendido como una generación) son diferentes. Ortega es, entonces, casi lo opuesto a Picasso.

Los métodos de Ortega, informados por la duda, por la investigación como un drama de necesidad y no como una necesidad de escape, conducen a conclusiones contemporáneas, porque expresan una cadena de incertidumbres. Picasso es una secuencia de certezas, un momento revolucionario de transición, pero aún dentro de la red de seguridad de un clasicismo pasado. Con Ortega (y su generación), la duda ha llegado al punto del dolor, de la no solución (también llamada contestación). En el camino de Picasso, y de sus grandes compañeros generacionales, tal vez invertido y negado, estaba Nietzsche, de nuevo.

Con Ortega, el hombre, por el contrario, se repliega en sus propios límites, cuestionándose a sí mismo en una búsqueda desesperada. Es otra etapa humana. Más claramente: otro tiempo y, en nuestro caso, otro artista.

LOS COLORES DEL SUR DE ITALIA

El sur de Italia narrado con colores. Los colores del arte moderno. En el arte moderno, las líneas y los colores de José Ortega. En los colores de José Ortega, días de intuición y trabajo. Porque debió haber trabajado mucho en la semana o más que José Ortega pasó en Pizzo.

Trabajo e intuición, intuición y trabajo. Hasta esa representación-realidad de Pizzo en mar, cielo y tierra. En Pizzo, yaciendo en posesión de sí misma y del horizonte y al mismo tiempo en la posición de quien da a luz a ese cielo, ese mar, esa tierra, el mundo entero condensado allí.

Pizzo no es solo tu Pizzo. Se convierte en tierra madre, para ser sembrada allí por cualquiera que sepa mirarla, porque cualquiera puede encontrar allí su propio paisaje, a sí mismo, su propia alegría de haber sido creado por una mujer en el agua y la tierra que se convirtieron en sangre y la forma de un hombre, puede encontrar allí su propia alegría de fertilización.

Pizzo nace y se expresa en el cuerpo de una mujer, madre e hija juntas, amante y madre. La formación que todos hemos adquirido en símbolos, el lenguaje propio del inconsciente, sugiere que, quizás más adelante, podamos contemplar esta pintura desde fuera, es decir, más allá del tema declarado.

Sí, por ejemplo, también está la búsqueda del artista de su propia patria. Y hay algo más, siempre diferente. Siempre que sepamos cómo plasmar nuestra capacidad comunicativa en la pintura, junto con la ansiedad y el deseo del momento, la obra responde.

Giuseppe Selvaggi, escritor y periodista.